Dèsl’Antiquité, les romains ont su creuser les entrailles de la montagne pour exploiter ses filons de cuivre. Plus tard, une industrie minière animée par de nombreux rebondissements a marqué cette vallée. Pour vous plonger dans cette histoire méconnue, plusieurs visites sont proposées : la visite libre du centre d’interprétation du patrimoine minier Olhaberri- le Lasolution à ce puzzle est constituéè de 6 lettres et commence par la lettre F Les solutions pour GRAND SPECTACLE de mots fléchés et mots croisés. Découvrez les bonnes réponses, synonymes et autres types d'aide pour résoudre chaque puzzle Équipementde sécurité dans une voiture. Film à grand spectacle en costumes de l'Antiquité. Longue réplique au théâtre. Il a inventé la théorie de l'évolution des espèces. Se dit de l'extrémité d'une flèche ou d'un stylo. Pays d'Europe comptant 3 volcans actifs. Épée courte romaine. Chaque année. Oualors on fait comme à Broadway et on apprend à chanter, à danser et on fait des claquettes dans un costume à paillettes ! Mais on peut aussi faire rire et dire des blagues devant un micro et ça, c’est trop rigolo ! Pour Loup, accompagné de son amoureuse et de tous ses amis, c’est parti pour le grand voyage dans le monde du spectacle pour Histoiredu costume : en Occident de l'antiquité à nos jours. François Boucher. Affiner le résultat de recherche avec le type de document Livres imprimés Afficher tous les documents ayant la date d'édition : , commele document Histoire du costume 1983 Rechercher tous les documents ayant comme Sujet: COSTUME Rechercher tous les documents ayant Manytranslated example sentences containing "film a grand spectacle" – English-French dictionary and search engine for English translations. han4G. Créon, Antigone, Chœur Demodocos 2016-2018 trois années de théâtre à Kéa… Pendant trois ans de missions successives à Kéa, j’ai pu, missionné par mon labo ERIAC, directeur Miguel Olmos, université de Rouen Normandie, pour lequel je mène une recherche théorique et expérimentale sur la langue grecque ancienne, la traduction et la recréation vivante du théâtre ancien, au gré des finances de la compagnie Démodocos, avec l’aide financière régulière du labo transport de la troupe et tournage et grâce à l’accueil de la Municipalité de Kéa logement au Kastro, de son maire Ioannis Evangelou et de ses habitants notamment l’association des femmes de Kea et nos sponsors locaux, dont la philoxénie se double d’un amour du théâtre antique, représenter chaque année un spectacle différent produit en France avec l’aide du Service Culturel de Sorbonne université et créé au festival des Dionysies que je dirige à Paris Œdipe roi en 2016 dans la cour de la Mairie de Kéa, Prométhée enchaîné en 2017 au même endroit en utilisant le décor somptueux de la roche qui surplombe les bâtiments de l’actuelle mairie et ancien lycée, et Perses en 2018 à Kokka en bord de mer, l’année où nous avons produit et joué l’intégrale d’Eschyle en France à Vaison-la-Romaine. J’ai mis en scène ces spectacles en m’appuyant sur l’atelier Théâtre et chœur antique de Sorbonne Université que je dirige avec François Cam, compositeur de la musique des chœurs[1]. Dans cet atelier, les anciens membres de la troupe forment les jeunes étudiants intéressés par la poésie, la musique, la danse et le théâtre antiques et au départ tout à fait ignorants des pratiques de cet art. Lors des trois spectacles donnés à Kéa, une place a été faite au grec moderne pour situer l’action dans le drame, à chaque fois interprété par un jeune Franco-Américano-Grec de Kéa, Geoffrey Hazard, Apollon dans Œdipe roi, chœur dans Prométhée enchaîné, satyre dans les Perses. Dès la première année, un projet de jouer à Karthaia, sur le site de la ville antique sise en bord de mer, était né à l’initiative de Geoffrey Hazard, qui avait participé avec Mme Tania Panagou comme bénévole aux fouilles et aux travaux de restauration du théâtre. Lorsque j’ai vu le théâtre de Karthaia sur le littoral, j’ai tout de suite songé à la possibilité d’une représentation des Suppliantes. …et trois années de cinéma Dès 2016, et pendant les deux années suivantes, j’ai conduit le tournage des extérieurs d’Œdipe roi avec un cadreur professionnel[2] et la participation de la troupe Démodocos, dans des conditions extrêmement favorables offertes par les gens de Kéa, pendant les quelques jours de répit qui ont suivi la représentation unique donnée devant les spectateurs de l’île. Ce film, construit autour d’une captation faite dans un théâtre en France le plateau noir du Grand Auditorium de la Bibliothèque Nationale de France, faite en 2016 et ayant permis une maquette du film, captation refaite avec plusieurs caméras en 2018, pour toutes les scènes de dialogue et de chœur, s’ouvre à chaque instant sur le hors-scène décor extérieur thébain à l’arrivée des personnages, siège de la Pythie à Delphes, Corinthe adoptive du jeune Œdipe, route de Daulis où Laïos meurt sous les coups de son fils, chambre conjugale du roi thébain, etc., tourné dans des décors naturels somptueux de l’île ou dans des bâtiments traditionnels bergerie troglodyte, murs de pierres plates, aire à blé circulaire, carrefour de la fontaine de Benjamin, autour du chêne, avec la participation du musicien de sambouna Ioannis Servos, l’aide des familles de l’île casting du bébé Œdipe, ânes du chariot de Laïos construit par Geoffrey Hazard avec d’autres accessoires et la bénédiction de M. Vranas Grecas, historien érudit et sage de l’île. Ce film, que la monteuse Sophie Brunet a pris en main en 2018, avec l’aide du studio de What’s up production et qui vient d’être mixé par les soins de Matthieu Deniau au studio Orlando, est en passe d’aboutir étalonnage prévu avant la fin 2019. 2019 l’année d’Antigone à Karthaia La quatrième année, notre projet était d’aller jouer Antigone de Sophocle à Kéa. Nous avions constitué, depuis 2016, une équipe entièrement masculine de trois acteurs pour jouer tous les rôles sous les différents masques. Ce spectacle, joué depuis depuis 2006 par notre troupe dans une mise en scène que je n’ai cessé de renouveler, avait été créé dans sa distribution exacte en 2017 à l’auditorium du Musée du Louvre, à l’initiative de M. Jean-Luc Martinez, directeur du Musée. En fonction des trois acteurs Philippe Brunet, Henrri de Sabates, Nicolas Lakshmanan, docteur de l’université de Rouen Normandie[3] et des rôles que les deux derniers nommés jouaient déjà lorsque nos deux comédiennes Fantine Cavé-Radet et Susie Vusbaumer[4], respectivement Antigone et Ismène assuraient leurs rôles, j’ai eu envie à l’occasion d’une indisponibilité de Fantine Cavé-Radet, de prendre le rôle d’Antigone que j’avais déjà assuré au pied levé en 2006 au festival d’Avignon off, au théâtre de la Condition des Soies. Les masques et les costumes étaient alors ceux d’Yves Leblanc. La comédienne Estelle Meyer, en descendant du train, s’était rompu malencontreusement les ligaments du genou la veille des représentations, et j’avais dû prendre le rôle à l’improviste. En faisant cette expérience, qui, paradoxalement, nous avait valu de jouer plusieurs fois à guichets fermés à Avignon, je me suis retrouvé dans l’obligation d’assurer la danse que j’avais fait travailler mais non pas pratiquée moi-même. Or, en posant mes pieds sur le rythme du chant d’Antigone, je me suis rendu compte que la structure métrique des vers imposait des oppositions pied gauche-pied droit, levé-frappé que je n’avais pas prévues et qui fonctionnaient de manière très précise. C’est pourquoi deux ans plus tard, aux Dionysies, j’ai pris le rôle de Créon pour expérimenter le rythme si particulier des dochmies à la fin de la tragédie. Les principes de chorégraphie métrique sur lesquels se fonde le travail de la compagnie furent ainsi établis. Ce fut donc au Louvre que s’est définie la distribution suivante que j’expose ici pour la première fois. La voici, par ordre de prise de parole L’acteur A Philippe Brunet joue Antigone prologue, Antigone captive, Hémon, commos et scène finale d’Antigone, commos final de Créon L’acteur B Henrri de Sabates joue Ismène prologue, Garde deux scènes, Ismène, Tirésias, Eurydice, Garde L’acteur C Nicolas Lakshmanan joue la quasi-totalité du rôle de Créon jusqu’à sa sortie en direction du tombeau d’Antigone, Serviteur celui qui raconte le trajet de Créon jusqu’au tombeau d’Antigone et la mort de Hémon. L’acteur B passe du rôle fragile et pathétique d’Ismène au rôle caustique et insolent de Garde ; et du rôle cinglant de Tirésias au rôle timide et effacé d’Eurydice. L’acteur A enchaîne les rôles d’Antigone et de Hémon, qui ne se croisent jamais sur scène. Il y a une vraie difficulté et un réel intérêt à jouer contradictoirement et de manière complice, pour un même acteur, la jeune fille ouvertement rebelle à l’édit de Créon et le jeune homme plus pondéré, subtil dans ses reparties, puis excédé et en passe de devenir violent contre lui-même, dans l’échange avec son père. Le passage du masque de Créon à celui de Serviteur se fait avec un intérêt particulier celui de passer, pour l’acteur C, d’un rôle dramatique à un rôle narratif, épique, dont l’acteur, interprète de la Chanson de Roland, est aussi très friand. Lorsque l’acteur A apparaît en Créon au moment même où l’acteur C quitte la scène en Serviteur, il y a une grande surprise pour le public, ou le pressentiment que quelque chose de mystérieusement déroutant a lieu. Le spectateur, accoutumé à voir un acteur dans un seul rôle, peut concevoir qu’un même acteur joue deux rôles, mais a du mal à imaginer que ce puisse être deux acteurs différents qui se partagent un même rôle, c’est-à-dire un même masque et un même costume. Il est à noter que ce partage des rôles n’est pas le seul possible. L’acteur A pourrait jouer Tirésias ; l’acteur B pourrait jouer Hémon. Voilà pour les principales considérations dramaturgiques concernant les acteurs. Pour le Chœur, composé de trois comédiens Mael Bailly, François Cam le compositeur, docteur de l’université de Rouen Normandie, et Yanis Cleret, il est héritier d’un travail de rythme et de chant en grec, de rythme prosodique en français. À cette scansion assortie d’un travail de création mélique selon les règles harmoniques établies par les musicographes de l’Antiquité s’ajoute un travail de chorégraphie où, comme il a été dit, la battue des pieds oppose les quantités longues et brèves du mètre. Le site de Karthaia arrivée du public au théâtre Démodocos La mise en scène à Karthaia Les Éphores des Antiquités Cycladiques, qui avaient obtenu de nous la garantie, qui fut scrupuleusement respectée, que nous ne toucherions à aucun des éléments de pierre préservés ou restaurés et que nous ne ferions aucune installation de décor, ont accordé au Théâtre Démodocos l’autorisation et le grand honneur de donner une représentation exceptionnelle, gratuite, d’Antigone le 10 août 2019 dans le théâtre antique de Karthaia, et de faire quelques images du spectacle. Nous remercions chaleureusement Mme M. Koutsoumbou, avec qui nous avons été en contact permanent au Ministère, Mme T. Panagou, qui a conduit une partie de la restauration et a dirigé le jeune Geoffrey Hazard, initiateur du projet, et Mme E. Morfoniou, avec qui nous avons, au musée archéologique de Kéa, arrangé les détails de l’organisation sur place et qui a supervisé avec bienveillance le bon déroulement de la représentation. Avec l’accord de la Municipalité et des archéologues, nous avions décidé de jouer à 18h, malgré la présence du soleil au-dessus de la crête jusqu’à 19h, sans quoi la pièce se serait terminée dans la pénombre et les spectateurs auraient gravi le sentier du retour dans le noir. Le 8 août, à l’arrivée du bateau de Lavrio à 18h, une partie de l’équipe est allée vérifier les conditions de jeu. Ce fut notre première descente dans la vallée. Nos jambes firent leur premier entraînement. L’axe du theatron est tourné vers l’Ouest-Sud-Ouest, ce qui garantit un ensoleillement puissant dans l’après-midi et un soleil déclinant qui vient encore aveugler le public de 18h à 18h45. Le 9, nous avons descendu les costumes, les masques et les pieds de caméra à dos d’âne et fait les repérages pour nos entrées et sorties. Pour la représentation, nous avons défini deux accès pour le Chœur et les personnages, lointain centre et lointain cour. Un troisième accès, côté jardin, celui du puits, servirait de sortie finale pour Antigone. Dans l’état du théâtre tel qu’il s’offre à nous, il n’est pas possible, en l’absence de mur de fond de scène, de passer un côté à l’autre sans être aperçu des spectateurs. Après quelques essais, nous avons gravi le sentier du retour dans la nuit, à la lampe de poche, car le croissant de lune était mince, en laissant le matériel sur place. Un accès latéral lointain cour pour les personnages venant du palais ou y retournant s’est imposé pour Ismène, Créon, Serviteur, Eurydice. Pour l’acteur C, toutes les entrées et sorties de Créon à l’exclusion de la sortie en direction du tombeau d’Antigone devaient se faire du palais par cet accès au lointain cour. Le Chœur devait venir du côté jardin, c’est-à-dire de la mer, et entrer par le lointain centre. Il a fallu choisir, pour l’acteur A Antigone, Hémon, finale de Créon, une coulisse sise côté jardin. C’est du côté de la mer qu’Antigone va rejoindre le corps de Polynice, à Karthaia. Le tombeau d’Antigone, placé du même côté, et par lequel on accède par le gradin en passant sous l’arche du puits, permet, non sans un léger saut pour monter sur la margelle de terre qui est au niveau du sol, une sortie discrète pour l’acteur qui peut ainsi revenir jouer Hémon par le lointain centre. Le tombeau est ainsi devenu une coulisse pour l’acteur C, qui devait déposer son costume de Créon, se changer en Serviteur et paraître à partir du puits en Serviteur, et pour l’acteur A, qui l’avait emprunté une fois en Antigone faisant ses adieux au monde, puis une deuxième fois en Hémon courant désespérément rejoindre Antigone ; et c’est par le puits également que l’acteur A revient, sous le costume de Créon jusqu’ici porté par l’acteur C, en tenant dans ses bras le corps de Hémon, symbolisé par le masque et la coiffe. L’acteur B avait une tâche plus compliquée et qu’il était difficile de restreindre à un côté. Attaché au palais côté cour par les rôles d’Ismène et d’Eurydice, il devait aussi venir de l’autre côté en tant que Garde chargé de veiller le cadavre de Polynice et d’ailleurs aussi en tant que Tirésias, qu’on souhaitait faire apparaître du haut du gradin, puis par le lointain centre, après que l’acteur eut fait le tour de l’enceinte. Pour repasser de Garde en Ismène, on voit qu’il y a là une petite incohérence, et le Garde a dû passer discrètement hors scène, au plus lointain, du jardin à la cour, à vue quand même, mais à un moment où l’on suppose que l’attention des spectateurs était concentrée dans le théâtre sur l’affrontement de Créon et d’Antigone. Certains détails de la mise en scène, des placements et des déplacements seront, on l’espère, clarifiés par le témoignage des caméras. Les images ont été confiées à un assistant-monteur chargé de synchroniser les images et les sons. Puis le dérushage a commencé, et un montage des images en l’état, a été demandé à la monteuse Sophie Brunet. Il sera présenté aux Éphores des Antiquités Cycladiques préalablement à toute diffusion. Mais un gros travail de mixage et d’étalonnage va être nécessaire. Ont assisté à la représentation environ 200 personnes qui avaient fait le déplacement à pied par le raidillon. Cette difficulté d’accès au site antique de Karthaia rend plus précieux l’échange esthétique et le partage émotionnel devant la beauté saisissante des contrastes telluriques et des vestiges archéologiques. Certains spectateurs avaient placé le recueillement théâtral juste après une baignade dans les eaux limpides de la baie. L’acteur principal était le vent rafraîchissant qui dévalait vers la mer. Assez fort en début de représentation, il a un peu faibli et favorisé ainsi l’écoute des voix soumises à rude épreuve. M. Ioannis Evangelou, maire de Kea nouvellement élu préfet, avait tenu à être présent à cette représentation qui n’aurait pas eu lieu sans lui. On a noté une qualité d’écoute qui est allée en grandissant au fur et à mesure que la pièce avançait. Un théâtre ouvert sur la mer… Ce quatrième spectacle de la compagnie Démodocos a démontré la puissance de la dramaturgie de Sophocle lorsque le drame est vécu dans cette coïncidence du ciel, de la mer, de l’air et de la terre. Notre mise en scène, toute de simplicité, n’a rien imposé à la tragédie de Sophocle. Elle a laissé jouer les principes actifs de cette dramaturgie le rythme, le dialogue, le chant du chœur, les pas de la danse, les changements de masque, les gestes symboliques, les conflits, les issues irréversibles. L’évolution des mouvements et des danses dans l’espace quasi circulaire de l’orchestra nous a débarrassés de toute tentation triviale, convulsive, où trop souvent se complaît le théâtre aujourd’hui sous le prétexte qu’il faut faire vrai, actuel, contemporain ». La traduction s’est voulue fidèle à l’esprit de la récitation antique. Et parfois la traduction a laissé la place à la langue grecque ancienne, puissante, faite pour ces théâtres d’air libre qu’on aurait tort de vouloir domestiquer en les sonorisant à grand renfort d’électricité. Le théâtre antique de Karthaia nous a accueillis. Nous a fait jouer. A placé nos voix. A ouvert nos gestes. Nos corps ont tenté de se mesurer à l’espace grandiose du site ouvert sur la mer. C’est peut-être le seul élément ajouté à la pièce de Sophocle, ou qui ne lui était pas directement utile. Bien sûr, la mer est l’élément purificateur indispensable à une juste restitution des rites de catharsis, même si l’élément marin jouait peu de rôle dans la Thèbes des Cadméens. Il est du moins l’élément qui relie à la Phénicie lointaine dont est originaire Cadmos le fondateur de la mythique Thèbes. Si la mer devait jouer un rôle dramatique dans un spectacle, comment ne pas songer au rêve initial que nous avions esquissé, il y a quatre ans, celui de faire débarquer à Karthaia les Danaides dans les Suppliantes d’Eschyle[5]? Et d’organiser un spectacle où les Grecs de Kéa joueraient leur propre rôle, celui d’accueillir au son de la sambouna cornemuse les étrangers que nous sommes, réfugiés venus puiser à la source hellène de la culture ? À Paris, le 31 août 2019 Bibliographie La publication archéologique de référence E. Simantoni-Bournia, L. G. Mendoni, T. Panagou, Karthaia, elakhunôtaton sternon khthonos…, Ministère de la Culture, Athènes 2009. Articles préparatoires de Ph. Brunet Mètre et danse pour une interprétation chorégraphique des mètres grecs », Poesia, musica e agoni nella Grecia antica, Atti del IV convegno di Moisa, Lecce 28-30 octobre 2010, Rudiae 22-23, t. II, 2012, Les Bacchantes d’Euripide, une expérience de dramaturgie dionysiaque », in Tragique et comique liés, dans le théâtre, de l’Antiquité à nos jours du texte à la mise en scène, Actes du colloque organisé à l’Université de Rouen Normandie en avril 2012 publication par Milagros Torres ERIAC et Ariane Ferry CEREdI avec la collaboration de S. M. Taracena et Daniel Lecler. Publications numériques du CEREdI, “Actes de colloques et journées d’Étude, no 7, 2013. La philologie à l’épreuve de la scène métrique et chorégraphie du grec ancien, VIS. Revista do Programa de Pós-graduação em Arte da UnB, vol. 13, no 2, julho-dezembro de 2014 [2015]. NOTES [1] Auteur d’une thèse ERIAC, Le melos dans la musique grecque antique une approche expérimentale par la restitution de strophes tragiques2017, codir. Ph. Brunet et Fr. Billiet de Sorbonne université. [2] Avec notamment un appareil photo Canon 5D et deux microphones Sennheizer système MS, mis à ma disposition par l’université de Rouen lors d’une demande de BQR. [3] La danse des temps dans l’épopée, d’Homère au Roland dir. Ph. Brunet, ERIAC 2017. [4] Doctorante à l’ERIAC sujet Les gestes du masque dans le théâtre grec, codir. Ph. Brunet et G. Freixe de l’université de Franche-Comté. [5] Traduction de Philippe Brunet et d’Aymeric Münch, docteur 2014 ERIAC de l’université de Rouen Normandie. Pour citer ce texte Philippe Brunet, “Tragédies grecques à Kea et cinétragédies 2016-2019”, dans L'Atelier des Savoirs, 25 novembre 2019, Consulté le 24 août 2022. En 2022, on commémore les 400 ans de la naissance de Molière et si plusieurs théâtres à travers le monde donnent, pour l’occasion, nombre de pièces de l’illustre dramaturge, d’autres lieux culturels honorent également le grand homme. C’est le cas du Centre national du Costume de scène situé à Moulins et qui va proposer du 26 mai au 6 novembre, une vaste exposition intitulée Molière en costumes. En tout, ce sont 130 costumes, ainsi que des maquettes, des photographies et des captations audiovisuelles que l’on pourra découvrir, à travers les plus grands personnages de l’oeuvre pléthorique de Jean-Baptiste Poquelin, d’Alceste, le fameux misanthrope à l’avare Harpagon, en passant par le faux dévot Tartuffe ou la naïve Agnès. Des costumes de scène portés par les plus grands comédiens de notre siècle, tels Louis Seigner ou Georges Wilson et notamment issus des collections du Centre national, de la Comédie-Française ou du département des Arts du spectacle de la parcours de l’exposition a été réalisé de manière thématique, en fonction des sujets traités par Molière dans ses pièces ou comédies-ballets. La première salle sera celle des Vices, entre hypocrisie, avarice, colère et autres fourberies. Puis, ce sera celle de la Religion et du Libertinage, dont Tartuffe ou l’Hypocrite sera le guide. Ensuite, une place d’importance est consacrée aux Servantes et Valets qui se jouent toujours de leurs maîtres, avant d’aborder ces derniers dans la section Bourgeois et Ridicules. Une salle sera consacrée aux relations Pères et Filles si nombreuses dans l’oeuvre de Molière, puis ce sera celle dévolue aux Malades et Médecins, notamment à travers Le Malade imaginaire. Deux salles seront dévouées aux Amoureux, souvent éconduits et enfin réunis. Puis, ce sera le tour aux Jaloux et Infidèles, autre ressort narratif de comédie souvent usité par Monsieur Poquelin. Les salles suivantes concerneront les Précieuses et Savantes, une autre mettra en avant l’Antiquité dont Molière se sera souvent inspiré, avant de clore l’exposition par Molière lui-même mis en scène et les Comédies-ballets à la scénographie spectaculaire. Une exposition qui permet de remonter le cours du temps et donne envie d’aller au théâtre au plus vite. Le porteur d’histoire avait commencé sa triomphale carrière au Studio des Champs Elysées, il est de retour au Théâtre des Béliers Parisiens avec toujours le même esprit aventurier. Une troupe de comédiens et comédiennes interprètent la galerie de personnages en alternance pour rendre compte de la prodigalité de l’auteur dans une histoire mélangeant fiction et références historiques. Le spectacle est un voyage passionnant dans le temps et de l’espace qui fait chavirer l’imagination. Un tour de force théâtral Un automobiliste se perd dans les Ardennes en cherchant à rejoindre le village de son père décédé. L’histoire débute en 1988 pour s’étirer dans l’avenir et le passé au fur et à mesure des histoires racontées par un narrateur débarqué en Algérie chez une femme et sa fille. L’homme raconte une histoire, puis une autre, puis encore une autre, pour finalement narrer les tribulations d’une famille disparue depuis la révolution, les Saxe de Bourville. Difficile de résumer la profusion de références, d’Alexandre Dumas jusqu’aux croisades en passant par Eugène Delacroix. L’objectif final des multitudes d’intrigues racontées semble la recherche d’un mystérieux trésor enterré… dans les Ardennes. Les 3 comédiens et 2 comédiennes présents sur scènes endossent une large panoplie de rôles avec une facilité déconcertante, le naturel semble la règle, la fluidité est de mise, la pièce parcourt l’histoire dans les grandes largeurs, de l’Antiquité jusqu’aux âges contemporains, Alexis Michalik échafaude un récit plongé dans la grande histoire et ses nombreuses arcanes jusqu’à fasciner la nombreuse audience. Des dizaines de personnages s’accumulent sur scène, le foisonnement est incessant, ça n’arrête jamais, jusqu’à devenir palpitant et passionnant. A l’arrivée dans la salle, les spectateurs peuvent remarquer un portant rempli de costumes, ce seront les attributs de la petite troupe dans l’exercice de leur art vertigineux. La manière qu’a Michalik d’intégrer son récit dans la grande histoire fait tourner la tête, tout n’est que fiction mais pourtant chacun ne demande qu’à y croire. Il y a du Umberto Eco dans cette sagacité prodigieuse, l’entrecroisement des personnages et des récits se fait sans temps mort et avec toujours la même crédibilité. Le rythme de la pièce ne faiblit jamais durant 1h30 qui passent sans s’en rendre compte. Ce porteur d’histoires est d’une profondeur insondable, de quoi ravir les érudits autant que les fans de contes historiques et fantastiques. Une gageur! Synopsis Le Porteur d’Histoire est une chasse au trésor littéraire créée et mise en scène par Alexis Michalik l’auteur des succès Edmond, Une histoire d’amour, Le cercle des illusionnistes, Intramuros. Par une nuit pluvieuse, au fin fond des Ardennes, Martin Martin doit enterrer son père. Il est alors loin d’imaginer que la découverte d’un carnet manuscrit va l’entraîner dans une quête à travers l’Histoire et les continents. Quinze ans plus tard, au cœur du désert algérien, une mère et sa fille disparaissent mystérieusement… Les Italiens sont tous machos et dragueurs. Les Italiens sont des voleurs. Les Italiens exercent tous la profession de mafieux. Les Italiens font rien qu’à copier sur leur espagnole ce visuel servit à certaines jaquettes de La Bataille des étoiles » d’Alfonso au moins de ces clichés est vrai. Du moins, la quatrième de ces assertions était parfaitement vraie dans le contexte du cinéma de divertissement italien des années 1970-80. L’Humanoïde » est ainsi une aberration typique de cette période où le cinéma de genre jadis le plus vivace d’Europe bascula irrémédiablement dans le nanar. Réalisé par Aldo Lado, auteur compétent de quelques thrillers appréciés des amateurs, cette pantalonnade galactique tente avec une réjouissante incompétence de surfer sur deux modes à la fois la vogue du space-opera, sur laquelle s’étaient rués comme des hyènes tous les filous du cinéma après le triomphe de La Guerre des étoiles » et, plus modestement, la mode Richard Kiel. Le gentil géant venait en effet de devenir une star en tenant le rôle de "Requin", le tueur aux dents d’acier adversaire de James Bond, dans L’Espion qui m’aimait ». Il devait d’ailleurs reprendre son rôle dans Moonraker », tourné à la même époque que L’Humanoïde ». Après avoir brillamment piqué la vedette à Roger Moore, Richard Kiel ne pouvait qu’attirer l’attention des producteurs. Malgré toute l’affection qu’inspire notre ami, autant dire que son passage au rang de protagoniste est un véritable désastre, qui renforce encore le plaisir que l’amateur de nanar prendra à ce film. L'affiche turque L’Humanoïde », contrairement à Starcrash » de Luigi Cozzi autre space-opera spaghetti de l’époque, se distingue par un décalquage appuyé de l’univers de Lucas. Là où Cozzi créait un univers somme toute original, Aldo Lado multiplie les emprunts à la limite du viol de propriété intellectuelle, reprenant des plans entiers du film de George Lucas et copiant le look de plusieurs personnages de manière éhontée. Le plagiat commence dès le générique !Quoi ? On aurait repompé Star Wars, nous ?? Vous êtes de mauvaise foi, vous... Ajoutons au passage que, malgré son absence de scrupules dans le plagiat, le film bénéficiait d’un certain budget. Au contraire, par exemple, de La Bataille des étoiles » d’Alfonso Brescia, L’Humanoïde » avait pour lui des moyens relativement conséquents, des acteurs plutôt connus, un metteur en scène capable, et trois vétérans du cinéma italien dans les coulisses Ennio Morricone à la musique, Antonio Margheriti alias Anthony M. Dawson à la supervision des effets spéciaux et Enzo G. Castellari comme réalisateur de seconde équipe. Autant d’atouts qui partent en fumée devant le ridicule du scénario, l’inconsistance des personnages et la panade artistique générale d’une production que l’on devine aussi mal contrôlée que celle de Flash Gordon ». Arthur Kennedy et Barbara Bach, les vilains pas vaut pourtant ce qu’elle vaut dans un futur lointain, la planète Terre a été rebaptisée "Métropolis" ça me dit quelque chose…. Ayant pour toujours renoncé aux conflits, ladite Métropolis vit heureuse sous le règne bienveillant d’un sage souverain, "Le Grand Frère". Or, le frère de ce dernier je ne sais pas si c’est le petit frère du Grand Frère, en tout cas c’est le frère du Grand Frère !, l’affreux Lord Graal Ivan Rassimov, a tenté de le détrôner. En exil, il rumine sa vengeance. Aidé de l’affreuse Lady Agatha Barbara Bach, comtesse-vampire de l’espace qui maintient sa jeunesse grâce au sang de femmes qu’elle immole dans une machine aspireuse de globules, et du Docteur Kraspin Arthur Kennedy, savant fou radié de son ordre, Graal a ourdi un PLAN MACHIAVELIQUE pour CONQUERIR METROPOLIS et d’ici là, LA GALAXIE ENTIERE ! MOUHAHAHAHA !!! Qu’est-ce que j’ai à hurler comme ça, moi ? Lord Graal Ivan Rassimov, acteur italien vu dans tout plein de films bis, dont Le Dernier Monde cannibale », Les Prédateurs du Futur », L’Alliance invisible », etc.. Pour les influences du costume, on va dire que c'est un hommage...La machine à pomper le sang des femmes à simplement au passage que les premières scènes du film entament d’emblée sa crédibilité en se livrant à une véritable photocopie de Star Wars » plan appuyé sur un vaisseau traversant l’espace, texte défilant avec effet de perspective et surtout, apparition sublime, un Lord Graal au costume ENTIEREMENT recopié sur celui de Dark Vador, à l’exception de vagues motifs en forme de décapsuleurs sur les côtés du casque et d’un masque qui laisse voir une partie du visage, comme dans une soirée SM ! il ne lui manque plus que la boule dans la bouche Le Docteur Kraspin a donc inventé une machine infernale qui pourra lui servir à transformer quiconque en un humanoïde invincible et invulnérable, dans le but de créer une armée que Lord Graal pourra lancer à l’attaque en la commandant à distance. Pour tester son invention, Kraspin choisit Golob, un brave pilote de vaisseau spatial qui se prépare à rentrer à Métropolis avec son chien-robot. Richard et son ici qu’entre en scène Richard Kiel, interprète de Golob affublé d’une barbe rousse, il a du texte durant sa première scène et fait preuve d’une présence à l’écran assez sympathique. Mais, une fois frappé par les radiations de la machine du Docteur Kraspin, Golob se transforme en terrifiant HUMANOÏDE !!! Heu…en fait, non, il se transforme en Richard Kiel, à qui on a simplement enlevé sa fausse barbe ! Devenu un soldat du Mal, Golob va marcher sur la ville en cassant tout sur son passage. Le film avait déjà un pied dans la fosse du ridicule, il va maintenant y sauter à pieds joints, car Richard Kiel nous refait EXACTEMENT le même numéro que pour jouer Requin dans les James Bond, en y rajoutant simplement davantage de grimaces. Et comme on le voit presque constamment à l’écran, la vérité finit par se faire jour notre ami ne sait absolument pas jouer, c’est désormais officiel ! Richard Kiel devient… L’HUMANOÏDE !En tout cas, il devient très Richard Kiel !Il n’est cependant pas le seul protagoniste du film, car nous faisons également la connaissance des héros, qui vont s’opposer aux vils plans de Lord Graal et achever de nanardiser impitoyablement le film. Passons sur Nick, aventurier de l’espace et héros viril de service, sorte de sous-sous-sous Han Solo joué par Leonard Mann de son vrai nom Leonardo Manzella, insipide jeune premier rescapé du western spaghetti. C’est bien simple, on le remarque à peine Leonard Mann fait preuve d’un tel non-charisme qu’il impressionne négativement la pellicule. Leonard Mann, le pizzaiolo du Cosmos. Corinne enfant star héroïne, une jeune et belle scientifique nommée Barbara Gibson ancienne assistante du Docteur Kraspin, elle est à l’origine de la disgrâce de ce dernier pour pratiques douteuses. Dans le rôle de Barbara on retrouve Corinne Clery vive la France !, révélée par Histoire d’O » et reléguée ensuite en Italie Yor le Chasseur du Futur » et autres merveilles, faisant preuve d’une compétence de comédienne inversement proportionnelle à la rondeur de son fessier. Absolument pas dirigée, elle semble en permanence sous tranquillisants. Tom-Tom, la tête-à-claques de l’ s’occupe d’un mystérieux orphelin asiatique, étrangement savant, et affublé du surnom hilarant de "Tom-Tom". J’avais gardé ce dernier pour la bonne bouche car il constitue l’un des principaux moteurs nanars du film. Joué par le petit Marco Yeh, hideux petit gnome italo-asiatique dont ce fut heureusement le seul rôle à l’écran, Tom-Tom est l’une des plus horripilantes têtes à claques qu’il m’ait jamais été donné de détester au cinéma. On me chuchote que le gamin de Gameka et les Trois Super Women » serait encore pire dans ce registre ; je demande à voir. Evidemment, ne comptez pas sur moi pour vous révéler que cette petite ordure est en fait une sorte de Little Buddha de l’espace et que ses pouvoirs surnaturels contribueront à vaincre le mal, en rendant notamment à Golob la conscience de son humanité, ce qui amènera le géant à se retourner contre les méchants. Ce serait vraiment salaud, d’autant qu’on le devine au bout d’une dizaine de minutes. Richard empoigne grâce aux pouvoirs de Tom-Tom, il est devenu quelques baisses de rythme au début, L’Humanoïde » est un nanar d’une excellente cuvée qui mérite, autant que Starcrash », d’être redécouvert. Moins candide et sympathique que le film de Luigi Cozzi, le film de Lado le bat sur le terrain du grotesque. Pour l’avoir vu dans une salle pleine et entendu les rires gras qui ponctuaient chaque apparition de Lord Graal et chaque mimique simiesque de Richard Kiel, j’ai pu tester en direct la puissance comique de la Bach attend son chèque de fin de petit robot blanc rigolo, mais où vont-ils chercher tout ça ? En tout cas, c’est quasiment le meilleur acteur du film… Le film se distingue par un scénario très simpliste, visiblement destiné à un jeune public assez peu mature, mais confond naïveté et niaiserie. Je passe sur le chien-robot de Golob, mélange insane de Milou et de R2D2. Les méchants croulent sous le ridicule outre Lord Graal, le Vador de chez Prisu, on notera le peu de crédibilité des deux autres grands méchants. Dans le rôle de Lady Agatha, Barbara Bach fait le minimum syndical. Par contre, l'interprète du Docteur Kraspin, Arthur Kennedy honorable acteur hollywoodien qui donna la réplique aux plus grandes vedettes avant d’échouer en Italie cabotine comme s’il postulait pour une apparition dans un Blake Edwards. Tu sais, j'ai participé à Barrabas » et Lawrence d'Arabie » et puis après, niveau carrière, le trou noir...Les représentants des forces du mal semblent s’appliquer à illustrer le cliché du méchant qui agit le plus stupidement possible de manière à favoriser sa propre défaite. Vous avez à l’esprit l’image du méchant qui explique son plan au héros au lieu de le tuer ? Hé bien ici, c’est tout le temps comme ça, mais en pire. Les troupes d’élite de Lord Graal donnent l’exemple en constituant la plus belle bande de losers jamais vus à l’écran. Rarement vit-on des figurants aussi désordonnés et aussi pressés d’aller se faire étendre par le héros ! Avec une telle troupe de minables, Lord Graal n'est pas près de devenir maître de la galaxie il ne pourrait même pas conquérir Ploumizolin-sur-Orge ! Lord Graal fait appel au côté obscur de la la belle équipe de professionnels du cinéma présents au générique, tout le monde semble avoir baissé les bras devant l'ineptie de la chose. Enzo G. Castellari, responsable des scènes d’action on reconnaît quelques ralentis, sa marque de fabrique, semble être allé roupiller dans un coin du studio en attendant que ça se passe. Antonio Margheriti n’a sans doute été présent que par intermittence pour superviser les effets spéciaux certains sont relativement réussis, d’autres transparences barbouillées au crayon, incrustations de vaisseaux spatiaux à hurler de rire auraient déjà semblé un peu vieillots en 1950. Tom-Tom joue aux jeux vidéos du la plus grosse déconfiture artistique reste encore la musique d’Ennio Morricone, qui livre ici ce qui doit être la plus belle ratatouille de sa carrière. Amorphe, discordante, la de L’Humanoïde » conviendrait mieux à une émission de plateau ou de télé-achat qu’à un space-opera. Le maestro a dû encaisser son chèque et faire composer le bouzin par un stagiaire. Ou bien il avait oublié le boulot à faire, s’en est souvenu la veille du tournage et a mélangé au hasard des bouts de partitions inachevées. Deux explications qui sauveraient au moins l’honneur…L’éminent nanardeur Dryke, qui assistait à la projection, me demande de ne pas oublier la scène HOT du film ! Imaginez la hutte de Corinne Clery cernée par les soldats de Lord Graal. Ils entrent, elle fuit, courant dans la demeure qui vue de l'extérieur ne paraissait pas si grande, elle court et PLAF ! en traversant une pièce vide de tout mobilier elle tombe dans une baignoire creusée là au milieu de la pièce... Elle en ressort trempée, les vêtements lui collant à la peau, dévoilant chacun de ses reliefs avantageux. Une moite sensualité s'installe fugitivement... Toujours poursuivie par les hommes de main de Lord "Bondage" Graal ah, ce masque... elle se remet à courir. Sa robe trempée épouse harmonieusement ses contours, dans un délicat effet de transparence. C’était donc ça, cette histoire d’eau ! Magnifique marque de sensualité, en effet ! Et pas du tout déplacée dans le récit... Aldo Lado, déprimé par le tournage de son nanar S-F pour jeune public, a-t-il voulu se lâcher ? En tout cas, gloire à Corinne Clery et à son fessier inter-galactique, et vive la S-F érotomane !A noter une curiosité du casting deux des actrices principales partagent par ailleurs l'affiche avec Richard Kiel dans ses deux James Bond. Barbara Bach était l'héroïne de L'Espion qui m'aimait » et Corinne Cléry tenait un petit rôle dans Moonraker ».Perle inestimable du nanar kitsch italien, L’Humanoïde » est une véritable friandise. Destiné à un jeune public malgré les gros plans qu’Aldo Lado n’a pu s’empêcher de faire sur les formes de Corinne Cléry, sa naïveté un peu sucrée ne fait pas oublier une profonde bêtise qui en fait un spectacle à ne pas rater ! Et vive Tom-Tom ! Avec la barbe, il fait tout de suite plus une interview accordée au magazine Mad Movies Mad Movies N°183 de Février 2006, p. 93, le réalisateur Aldo Lado évoque de façon substantielle "L'Humanoïde"."Pour votre film de SF, L'Humanoïde, la post-production s'étendait aux effets spéciaux, qu'a réalisés Antonio Margheriti...Antonio s'était chargé des voyages interplanétaires c'était un grand seigneur, un homme exquis, un véritable orfèvre. Les maquettes et les incrustations ont été réalisées par un Espagnol formidable, Emilio Ruiz, qui a ensuite fait carrière à Hollywood [Note de Nanarland un artisan au sens noble du terme, qui a oeuvré sur un paquet de films, du péplum Persée l'invincible avec Richard Harrison au Labyrinthe de Pan de Guillermo del Toro en passant par Supersonicman, Dune, Conan le barbare et La Guerre du fer !]. Pour superviser les SFX, j'avais néanmoins demandé - en vain - un Yougoslave qui avait été le bras droit de Douglas Trumbull sur 2001 l'odyssée de l'espace. Pour le dénicher, je comptais sur l'actrice Barbara Bach, que j'avais déjà fait jouer dans La Corta Notte... pour son côté "Europe centrale". Ici, elle me permettait en outre de contourner le quota imposé de comédiens italiens, car elle possédait cette nationalité pour avoir été mariée à un de mes compatriotes, comme Corinne Clery d' film trahit pourtant son origine, avec par exemple la cité qui renvoie à l'Antiquité romaine...Pour des raisons de budget, je ne pouvais pas vraiment concurrencer les films américains, si bien que j'ai essayé de donner un côté personnel latin, à cette oeuvre de pure commande. Mais le résultat aurait été bien meilleur si j'avais eu les collaborateurs que j'avais demandés. Je voulais notamment un décorateur de théâtre fantastique, qui créait des atmosphères incroyables en collant des feuilles de plastique qu'il éclairait par derrière. Mais le producteur avait déjà signé un contrat ; or on ne me fera pas croire que quelqu'un qui a fabriqué des villages western toute sa vie peut passer comme ça à la SF, même si c'est un grand professionnel. C'était donc la bagarre du matin au soir, et en plus le résultat n'était jamais celui que je désirais. C'est dommage car j'avais tourné certaines séquences à Jérusalem et dans le désert du Néguev, en utilisant les bâtiments d'un architecte israélien dont j'avais découvert les projets, quelques années auparavant, à la biennale de Venise. Je l'ai d'ailleurs rencontré cette année, lors d'un salon d'art contemporain à la Porte de Versailles. Je me suis approché d'un stand où j'avais reconnu ses travaux, et il était là nous nous sommes présentés et je lui ai dit "Vous savez, j'ai fait un film il y a 25 ans..." riresLa réalisation des scènes d'action est créditée Enzo G. Castellari...Il a tourné le combat final. J'en avais ras le bol et j'avais demandé au producteur d'engager quelqu'un, car je ne me sens pas très à l'aise avec l'action. Nous nous sommes mis d'accord sur Castellari, qui est un ami." Codycross est un jeu mobile dont l'objectif est de trouver tous les mots d'une grille. 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