LesFlandrin, artistes et frères (mba Lyon) Auguste, Hippolyte et Paul Flandrin comptent parmi les artistes les plus importants de la scène lyonnaise au XIXe siècle. Le musée des Beaux-Arts de Lyon conserve près de 200 oeuvres. Cet été, une exposition invitait à découvrir leur travail, en Muséedes Beaux-arts – Tour 41 17 et 18 septembre Belfort, Tour 41-Musée des Beaux-arts Un parcours allant de l’art médiéval au début de l’art moderne Belfort, Tour 41-Musée des Beaux-arts Rue Georges Pompidou, 90000 Belfort Belfort 90000 Territoire-de-Belfort Bourgogne-Franche-Comté Nombreuses places de stationnement à proximité.Toilettes accessibles aux muséedes beaux arts. Visites guidées. les chefs d'œuvres du Palais Fesch. -. Le vendredi 26 août et les vendredis 2 / 9 / 16 / 23 et 30 septembre 2022. Exposition temporaire. "La Grande Bellezza, L’Art à Rome au XVIIIe siècle, 1700-1758". -. LeMusée des Beaux-Arts de Tours sera fermé exceptionnellement du lundi 17 au vendredi 21 décembre 2018 pour cause de travaux sur le perron du bâtiment. En revanche, les visites de groupes et LeMusée des Beaux-Arts de Tours. Le Musée des Beaux-Arts de Tours développe une programmation d’expositions temporaires majeures ; une politique d’acquisition, de restauration d’œuvres ainsi que des actions pour l’accès à la culture de tous. PIKQ. Le thème du mois d’avril du rendez-vous mensuel EnFranceAussi organisé par Le coin des voyageurs » est ornithologie » proposé par Annabelle Fréchette Un article qui entre dans ma série que visiter à tours? Je pensais vous parler des oiseaux de Loire, cormorans, hérons et autres aigrettes qui se baladent aussi dans la campagne… j’en vois quasiment tous les jours au fil de mes déplacements en voiture… sauf que bien entendu, le jour où je pense pouvoir en photographier… pas un à l’horizon ou bien trop loin pour mon petit zoom! J’aurais pu vous parler aussi du magnifique spectacle et des oiseaux du zoo de Beauval… mais je l’avais déjà fait ici Les maîtres des airs oiseaux zoo de Beauval Bref, comme dans la même période j’avais prévu d’emmener une amie visiter le Musée des Beaux-Arts de Tours … le plan B était trouvé! Ornithologie dans l’art! ok, c’est un peu loin de l’idée du thème de départ… désolée! Mais cest l’occasion de vous présenter ce beau musée de la ville de Tours! De nombreuses animations et ateliers y sont proposés pour les enfants, j’ai eu l’occasion d’en faire plusieurs, petits et grands en sont toujours sortis ravis, n’hésitez vraiment pas à participer aux animations et un dimanche par mois, c’est gratuit ! toutes les infos sur le musée A l’intérieur de plusieurs salles, on trouve des coffrets de jeux pour les enfants en lien avec les œuvres, des explications leur sont spécialement destinées, une visite à faire en famille! La visite commence avec un trait d’union avec la Loire, Olivier Debré dont je vous avait déjà parlé pour l’exposition qui lui est consacrée au CCCOD, Centre de Création Contemporaine Olivier Debré, de Tours CCCOD Les nymphéas d’Olivier Debré et que l’on retrouve au musées des Beaux-Arts en compagnie de Calder Le musée des Beaux-Arts de Tours est installé dans l’ancien parlais des archevêques, accolé au rempart du IVe siècle de belles vues sur la cathédrale des fenêtres des étages! sur un site occupé dès l’antiquité, on trouve dans ses souterrains une inscription lapidaire à la gloire des Turons. Le fonds le plus ancien du musée est constitué d’œuvres saisies en 1794 , en particulier les abbayes de Marmoutier, de Bourgueil et de La Riche, ainsi que des tableaux et un exceptionnel mobilier provenant du château de Chanteloup et de Richelieu. voir visiter Richelieu, la ville du Cardinal et ses musées! La dispersion, en 1863, de la collection Campana, acquise par Napoléon III, valut à Tours de recevoir 94 objets antiques. Dépôts de l’Etat, legs et dons enrichissent le musée avec l’Ex-voto de Rubens, les deux panneaux d’Andrea Mantegna, Le Christ au Jardin des Oliviers et La Résurrection, et des œuvres de Rembrandt, Champaigne, Ingres, Van Loo, Vernet… La collection de peinture française du XVIIIe siècle est l’une des plus importante de France et celle des Primitifs italiens la plus riche après le Louvre Lorenzo Veneziano, Naddo Ceccarelli, Niccolo di Tommaso, Lippo Vanni, Lippo d’Andrea, Cecco di Pietro, Giovanni di Paolo, Antonio Vivarini… Le XIX ème est représenté par l’école néo-classique Suvée, Taillasson, le romantisme Vinchon, l’orientalisme Belly, Chassériau, Delacroix, le réalisme Bastien-Lepage, Corot, Cazin, Gervex jusqu à l’impressionnisme, post-impressionnisme, symbolisme Monet, Degas, Henri Martin, Le Sidaner, Wiem et en sculpture avec Barye, Bourdelle, David d’Angers, Rodin… Jean Béraud La collection d’œuvres du XXe siècle regroupe actuellement les noms de Geneviève Asse, Silvano Bozzolini, Peter Briggs, Pierre Buraglio, Alexander Calder, Joe Davidson, Olivier Debré, Maurice Denis, Jacques Monory, Bruno Peinado, Serge Poliakoff, Zao Wou-ki… Mais ne nous dispersons pas dans les collections, gardons le thème à la recherche des volatiles! Au fil de l'article sur Tours et Culture La collection XVIIIème siècleSébastien LE CLERC La Déification d’EnéeJean-Bernard RESTOUT 1732 – 1797 Philémon et Baucis donnant l’hospitalité à Jupiter et MercureCollections du XIXèmeEdouard DEBAT-PONSAN 1847 – 1913 Avant le balMaquette de Fontaine pour la Casa Vélasquez deMarcel Gaumont 1880 – 1962 Du côté des collections plus anciennesL’histoire de Camille d’après VirgileLe Musée des Beaux-Arts de Tours en pratiqueLes bonnes adresses d’EimelleExpositions au Musée des Beaux-arts de Tours La collection XVIIIème siècle Premières plumes aperçues un cygne Sébastien LE CLERC La Déification d’Enée puis une oie, en fâcheuse posture Jean-Bernard RESTOUT 1732 – 1797 Philémon et Baucis donnant l’hospitalité à Jupiter et Mercure Sur ce thème mythologique provenant d’Ovide , l’artiste adopte une composition réaliste un couple âgé, d’une extrême pauvreté, s’apprête à sacrifier son unique bien, une oie, pour offrir un repas aux deux hommes… dont ils ignorent l’origine divine… La version cartel pour les enfants Du côté des meubles aussi, de petits oiseaux se sont glissés… Côté plumes… La poésie, Nicolas Fouché 1653-1733 plumes qui peuvent être aussi décoratives tant pour les humains que pour les harnachements La foire de Bezons, vers 1700-1704, par Joseph Parrocel Collections du XIXème Edouard DEBAT-PONSAN 1847 – 1913 Avant le bal Les oiseaux dans le tableau du tableau ! Un détail du tableau Eros et Cupidon de Lecomte du Nouÿ, en 1873 Un oiseau en cage, détail d’un tableau de Jean-Pierre Vallet, portrait de Mme Neveu, fleuriste et marchande de fruits, vers 1830 Faïence d’Avisseau Petite fille nourrissant des poules, vers 1891, Edouard Debat-Ponsan Nu féminin de Marcel Gaumont Dans les collections antiques, c’est la chouette qui est à l’honneur, sur des vases mais on la retrouve aussi sur cette colonne aux faces ornées de personnages empruntés à la Mythologie grecque Maquette de Fontaine pour la Casa Vélasquez deMarcel Gaumont 1880 – 1962 Du côté des collections plus anciennes Sur un coffre de mariage, Florence , vers 1460, l’ancêtre de la BD, en plusieurs scènes L’histoire de Camille d’après Virgile pour les blasons tout autour du cadre Les messagers incontournables des annonciations, Giovani di Tano Fei A la chasse au faucon Enfin, pour croiser de vrais oiseaux, il suffit de tourner autour du Cèdre du Liban de 1804 du parc! et l’on ne quittera pas les lieux sans un petit bonjour à Fritz, l’éléphant du cirque Barnum abattu à Tours en 1902 alors qu’il était devenu incontrôlable lors de la parade du cirque et naturalisé. Bon, je me suis bien éloignée du thème de départ, mais j’espère que ce panorama des collections du Musée des Beaux Arts de Tours à travers l’angle oiseau » vous aura donné envie d’en découvrir plus et de pousser la porte du lieu! Le Musée des Beaux-Arts de Tours en pratique Le musée est ouvert tous les jours sauf le mardi de 9h00 à 12h45 et14h00 à 18h00. Gratuit le premier dimanche du mois. Au programme du printemps , à partir du 18 mai, une exposition consacrée à Balzac qui bénéficie déjà d’une salle dédiée dans le musée. Portrait de Balzac par Seguin et Maison du curé de Tours par Souillet Les bonnes adresses d’Eimelle En sortant du Musée, une petite pause gourmande au salon de thé Aux délices des Beaux-arts », où vous pourrez goûter si vous ne la connaissez pas encore, la spécialité de Tours qu’est le Nougat de Tours dont je vous parlais ici A déguster par exemple dans le Pour retrouver les liens des articles des autres participants, avec cette fois des oiseaux en plumes et en os, c’est ici Les visiteurs qui se pressent pour découvrir le redéploiement de la collection permanente du Musée national des beaux-arts du Québec sont d’entrée de jeu saisis, sans savoir pourquoi. On s’arrête avant même l’arrivée aux salles de l’expo­sition 350 ans de pratiques artistiques du Québec. La collection occupe désormais cinq des sept salles du pavillon Gérard-Morisset, prenant pour point de départ historique la Nouvelle-France. Les 700 œuvres aujourd’hui exposées regroupent peintures et sculptures, jouxtant des pièces d’orfèvrerie superbes, de mobilier et d’arts graphiques et photographiques qui élargissent le champ de la créativité. Parmi ces pièces, 400 sont nouvellement sorties des réserves, ajoutées aux pièces connues souvent exposées et reproduites, augmentant ainsi le nombre des artistes reconnus – plus de 250 –, qui seront ainsi moins méconnus. La surprise vient du fait que le vieux » bâtiment de 1933 demeure tel quel, métamorphosé cependant par l’afflux de lumière extérieure. Des pans de murs ont été abolis, remplacés par de grands panneaux de verre, ouverts aux variations du jour boréal sur le paysage urbain. Plus qu’un modeste redéploiement », il y a transformation sur le plan architectural et dans l’approche muséologique. Le lien visuel avec le pavillon Pierre Lassonde et l’église Saint-Dominique, visibles depuis un confortable salon aménagé pour la consultation des catalogues, est particulièrement réussi. Le concept général privilégie une approche décloisonnée qui déborde des sentiers battus de l’histoire de l’art une ouverture sur la simultanéité des courants artistiques, qui s’entrecroisent au lieu de suivre linéairement une chronologie artificiellement découpée dans chaque discipline. Consacrée à l’émergence de la modernité au cours de la première moitié du 20e siècle, la salle 4, sur laquelle j’ai concentré mon attention, est remarquable par la mise en espace de tableaux, d’objets, de dessins, de photographies et de documents dans des vitrines dont certaines s’éclairent à l’approche du regardant. De l’impeccable blancheur des murs et de la transparence lumineuse des stèles en suspension, des parois et des vitrines qui reposent sur des pattes quasi invisibles, émane une impression de légèreté flottante, malgré le nombre d’œuvres, qui s’avoisinent sans s’occulter. Une ingénieuse structuration de l’espace, selon des diagonales, permet la vision à distance, avec recul. L’approche de la salle 4 se distingue de celle, frontale, qui caractérise plus classiquement les autres salles Ce sont deux perspectives transversales qui organisent la salle en zones distinctes, mais communicantes, car les artistes sont nombreux à se voir représentés dans plusieurs sections. […] La déambulation se veut libre à la manière d’une dérive entre rues et espaces intérieurs1. » Sans souci de catégorie ou de chronologie des œuvres quitte à y revenir pour un second parcours, le regardant se laisse attirer où va son plaisir, par telle juxtaposition inhabituelle, telle harmonie ou discordance de l’accrochage, telle œuvre inconnue, ou cette autre qui, tel[s] les sorciers et les magnétiseurs, projette sa pensée à distance2 ». Un spectacle dans le spectacle consiste, assis sur un banc, à regarder le cheminement des arrivants dans la salle… Une balade aléatoire La section dévolue au portrait captive le visiteur, le regard du modèle direct, baissé, de biais, etc. étant toujours sémiotiquement un point fort de l’image. Sur une cimaise ajoutée en diagonale, un alignement juxtapose à des portraits célèbres de Lilias Newton, Alfred Pellan et Jori Smith, l’Autoportrait au chat de Mimi Parent, presque naïf. On regrette l’absence de la vraie naïve de Charlevoix, Simone Mary Bouchard. Dans les années 1940, on exposait ses œuvres avec celles des artistes modernes. Solide, au contour nettement découpé sur fond de bleu turquoise intense, Paul, Trappeur vers 1929, par Edwin Holgate, côtoie le portrait tout en délicatesse diaphane du père Couturier, peint par Louise Gadbois 1941. Ces deux artistes, bien que différents de style, ont été maître et élève, ce par quoi leur rapprochement se justifie. Un grand tableau de Suzanne Duquet intrigue Groupe 1941 rassemble trois femmes assises, oisives, modèles en tenue d’intérieur, et elle-même, debout au chevalet, palette en main, dallure très masculine par ses mains, son visage, son costume. Il y a là une dénonciation du rôle dévolu à la femme à l’époque, selon l’idée dominante que l’artiste ne peut être que mâle et viril la critique des années 1940 en témoigne abondamment. Il n’empêche que le nombre de femmes peintres augmente, comme le prouve le Groupe du Beaver Hall où les hommes sont minoritaires. Randolph Hewton, l’un des deux fondateurs du groupe avec Holgate, signe vers 1929 un morceau de peinture », Rêverie, d’un coloris admirable. De la Société d’art contemporain fondée par John Lyman, Marian Scott se distingue dès 1939 par son Crocus semi-abstrait, accroché dans une reconstitution d’aménagement intérieur art déco avec coiffeuse et pouf Robert Blatter, 1930, et torchère d’Omer Parent. Plus tardive, La Fontaine Aréthuse 1957 d’Albert Dumouchel offre un bon voisinage, tout en courbes, en contraste voulu avec Ville 1948 de Fritz Brandtner – artiste encore trop méconnu –, abstraction géométrique aux lignes droites et aux volumes verticaux. Comme le portrait, la nature morte et le paysage sont des descendants de la grande peinture » à sujets historiques ou religieux des siècles précédents. Grâce aux vies tranquilles » expression qui serait la traduction littérale du terme stilleven en néerlandais, still lifes en anglais, la déambulation ménage des pauses visuelles qui rendent hommage à la liberté d’improvisation des artistes, à l’audace de leur expérimentation. Des natures mortes distantes dans l’accrochage se rapprochent par leur structuration et leur palette colorée. La gouache de Paul-Émile Borduas, Abstraction 37 1942, décalque abstraitement les contours d’un plat de fruits sur une table avec nappe, sujet figuratif également traité par Simone Aubry-Beaulieu en 1946. La Nature morte à la bouteille et aux cerises de Paul-Vanier Beaulieu 1951 est plus plasticienne et fait regretter l’absence d’une gouache abstraite de son frère, le peintre Louis Jaque. Des griottes sont jetées parmi les Fleurs et dominos 1940 de la composition synthétique de Pellan, matissien et cubiste à son retour de France. Il se réapproprie son pays par de joyeux clichés de vacances dans le Village de la Petite-Rivière- Saint-François 1941. Les paysages permettent une véritable promenade en nature ou dans la ville, plus rarement à la mer, par exemple à Percé avec Rita Mount vers 1923, une huile aux transparences lumineuses d’aquarelle, ou encore dans le Paysage de Charlevoix de Jean Paul Lemieux 1935. Ce coin lumineux de l’exposition, avec ses cadres d’époque, où l’air circule, fait face aux scènes urbaines verticales d’Adrien Hébert. Les 700 œuvres aujourd’hui exposées regroupent peintures et sculptures, jouxtant des pièces d’orfèvrerie superbes, de mobilier et d’arts graphiques et photographiques qui élargissent le champ de la créativité. Libérer Célébrée trois jours avant la réouverture du Musée, la commémoration de l’armistice de 1918 rappelait à notre mémoire le contexte historique de cette première moitié du 20e siècle deux guerres mondiales et le temps d’une paix fissuré par la crise économique des années 1930 et la montée de l’hitlérisme. Si les artistes partis faire leur grand tour » en Europe rentrent au pays dès le début des conflits, les Européens traversent l’Atlantique et contribuent à l’écroulement des vieux décors entretenus par les académies et les institutions. Brandtner a quitté l’Allemagne à la fin des années 1920. Sa connaissance étendue des mouvements avant-gardistes européens fait rapidement de lui un passeur d’art moderne dans son réseau. […] Pacifiste et socialement engagé, il prend régulièrement pour sujet le travail des ouvriers qui fabriquent armes et munitions, en plus de peindre l’inquiétude et l’horreur3 » qu’il connaît intimement depuis 1914-1918. Il les exprime dans ses xylographies de style expressionniste allemand Guerre, 1942, comme Ernst Neumann dans ses lithographies Chômeur no 4, 1933. Les peintres juifs de Montréal4 ont toutes raisons de traduire l’angoisse qui domine les années de guerre. Dans la peinture allégorique Front intérieur 1940, Harry Mayerovitch s’interroge sur la pertinence de l’art dans un monde à feu et à sang, sur le rôle des revendications exprimées dans les manifestes, rôle apparemment dérisoire dans un tel contexte, sur leur valeur quand tout est démoli, anéanti, pulvérisé. À de tels doutes existentiels, Marie-Alain Couturier répond liberté, espérance, lutte. Si Revendiquer » devient le mot d’ordre choisi pour caractériser la période après Croire », Devenir », Ressentir », Imaginer », appliqués aux périodes antérieures, Libérer » aurait été plus englobant sur tous les plans libération des peuples opprimés, des artistes sous la férule académique, des femmes sous le joug paternaliste. Il faut avoir l’âme chevillée au corps pour lutter comme le père Couturier l’a fait pendant les quatre années que dure son exil en Amérique au cours de la Seconde Guerre mondiale, par prédilection au Canada français ». Il nous laisse le monumental témoignage de son espérance avec cette Pentecôte 1944 qui nous attire irrésistiblement vers le fond de la salle 4. Le tableau restauré, peint originellement dans le chapitre du monastère des Dominicains qui fait place aujourd’hui au Pavillon Pierre Lassonde du Musée, est une complète découverte pour le public. Commencée aux premiers jours d’avril et terminée vraisemblablement en juillet 1944, La Pentecôte se présentait, avant sa restauration, dans un long format horizontal de 152 cm sur 397 cm, divisé en deux parties quasi égales, selon un axe vertical habité par la Vierge assise au milieu de douze figures parmi lesquelles une seconde femme. Linterprétation de Couturier reste ici fidèle aux textes des Évangiles et à la tradition chrétienne, et est traitée sous le signe du Greco revisité par le cubisme. L’artiste gomme les courbes et accentue les plis, soulignant les volumes anguleux qui confèrent aux apôtres la spatialité quasi sculpturale de statues assises sur un socle cubique. La partie centrale présente des accords de couleurs très hardis, dans la juxtaposition du bleu de Prusse et du rose intense, de l’orangé et du magenta auréolés de jaunes et de rouges, avec des blancs très crus. La remarque formulée en juillet 1929, dans une lettre à monseigneur Maurault par le jeune Paul-Émile Borduas, quand il rencontre Couturier sur le chantier de Chaillon en France, revient en mémoire Ce n’est pas la composition qui me plaît le plus, c’est l’harmonie des couleurs et son dessin5 ». La composition triangulaire et en trios révèle la Trinité dans la présence de l’Esprit, par les flammèches et le vent violent qui frappent l’assistance de stupeur. Ces manifestations surnaturelles ont lieu à la Pentecôte, c’est-à-dire cinquante jours après Pâques. Une notice de 1996 explique les circonstances du don de cette œuvre majeure aux Dominicains de Québec Cette peinture du Fr. Couturier, nous fut offerte par son Exc. Mgr. Réginald Duprat, en 1944. À l’origine cette peinture était marouflée dans l’ancienne salle du chapitre, qui, à l’époque [allait] jusqu’au mur de la sacristie actuelle. » Une indication manuscrite en marge signale que Madeleine Pratte, de Québec, a posé pour le personnage de Marie. Il est heureux que cette œuvre ait trouvé sa place au Musée national des beaux-arts du Québec, parmi des sculptures religieuses épurées et modernes comme les voulait le père Couturier, entre un tableau de Borduas et des œuvres d’Ozias Leduc, portes de retable suspendues à un panneau de verre et dessins précieusement exposés en vitrine. Aussi vertical que Pentecôte est horizontal, le Saint Jean de Dieu de Jean Dallaire 1950 est une peinture en trompe-l’œil de tapisserie on pense à Jean Lurçat qui éclaire de l’intérieur et perce le mur comme une veduta. Cette section remarquable montre que la spiritualité et l’art sacré re­nouvelé peuvent intégrer les préoccupations esthétiques de l’art moderne, jusqu’à l’abstraction, ce que Couturier découvre à Montréal6. Dans son introduction au magazine- catalogue d’exposition, la commissaire Anne- Marie Bouchard pose avec impatience la question essentielle Sommes-nous condamnés à réécrire sans cesse la même Histoire ? » Qu’elle se rassure plus qu’un simple réaménagement de la collection, son travail de quatre années produit une exposition qui nous sort des sentiers battus, rafraîchit le regard de perspectives éclairantes, et renoue intelligemment avec le plaisir de l’art. 1 Anne-Marie Bouchard, 350 ans de pratiques artistiques au Québec magazine-catalogue d’exposition, Québec Musée national des beaux-arts du Québec, 2018, p. 43. 2 Charles Baudelaire, à propos de l’œuvre d’Eugène Delacroix. 3 Anne-Marie Bouchard, Fritz Brandtner », op cit., p. 50. 4 Maurice Gagnon, en 1941, alors que l’antisémitisme fait rage, regroupe ces artistes dans une catégorie spécifique, ce qui indigne Marie-Alain Couturier. Cette distinction perdure aujourd’hui. 5 Paul-Émile Borduas, lettre du 17 juillet 1929 à monseigneur Olivier Maurault, dans Écrits II, Montréal, Presses de l’Université de Montréal, 1997, p. 118. 6 Voir aussi Monique Brunet-Weinmann, Le père Marie-Alain Couturier », dans Anne-Marie Bouchard, op. cit., p. 51, et son livre Le Souffle et la flamme Marie-Alain Couturier au Canada et ses lettres à Louise Gadbois, Québec, Septentrion, 2016. 3e édition du spectacle son et lumière Les Nuits Renaissance ! Un divertissement nocturne qui illumine la façade du musée des Beaux Arts à Tours pendant la saison estivale. Tous les soirs jusqu’au 5 septembre 2021. Les illuminations à Tours À l’image de l’ancienne animation son et lumière par Damien Fontaine jouée contre la façade de la Cathédrale Saint-Gatien pendant 3 années, ce spectacle de projection vaut le détour. Aujourd’hui projetée dans le parc du Musée des Beaux-Arts, la représentation Les Illusions de la Renaissance fête les 500 ans de la Renaissance contre l’histoire de Saint-Martin pour la 1ere version. Un voyage dans l’histoire qui vous transportera au début du 16e siècle, une époque riche de précieuses innovations en faveur des marins-explorateurs boussole, astrolabe… Pour regarder la fresque s’animer, il vous suffira de vous poser sur la pelouse située juste en face. Un espace d’où vous pourrez admirer les 13 tableaux évoquant Chambord,la royauté et ses fêtes,l’art,l’invention de l’imprimerie,les grands humanistesou encore Léonard de Vinci. Une composition sons & images qui traverse le temps. À la même époque, les châteaux de la Loire représentent le faste de la cour vitraux, sculptures, musiques, enluminures, peintures… Son & image à Tours les nouveautés 2021 Il y a à peu près 25 % de la projection qui a été renouvelée. Christophe Dupin, maire-adjoint chargé de la culture et de l’éducation populaire à Tours Par rapport à l’année dernière, 3 scènes ont été modifiées la séquence d’ouverture,la séquence de fin,une séquence au milieu consacrée à l’humanisme. Pour la 3e saison du programme toujours conçu par Abeille Brissaud, deux de ces séquences, sont même interprétées par des musiciens tourangeaux qui font de la musique actuelle et de la musique électronique. Informations pratiques Adresse Musée des Beaux Arts, Place François Sicard 37000 TOURS Entrée gratuiteSans réservation depuis le mercredi 7 juillet 2021Durée 20 minutes7 j / 7Chiens non admis, par mesure d’hygiène Horaires HorairesOuverture / fermetureJuin / juillet22 h 45Ouverture des portes du jardin à 21 h 45, fermeture des portes à 22 h 40 Août / septembre22 h 15Ouverture des portes du jardin à 21 h 15, fermeture des portes à 22 h 10 Un Kiosque de restauration slow-food » est ouvert Juin / juillet de 21 h 45 à 22 h 30Août / septembre de 21 h 15 à 22 h 00 Réservez votre hôtel à Tours pour profiter du spectacle nocturne Prêts pour le bouquet final de votre week-end en Touraine ? Réservez votre chambre pour un séjour riche en découvertes ! Notre hôtel ibis styles Tours sud est situé à 10 min du centre-ville et vous propose un buffet petit-déjeuner gourmand inclus & une formule restaurant. 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Parmi les chefs-d’œuvre exposés, il faut distinguer les tableaux de Cousin, Stella, Boucher, Ingres ou Chassériau ou bien les sculptures de Lemoyne, David d’Angers et Préault. Un accent particulier est mis sur le genre du portrait au XVIIe siècle ou bien encore sur l’art troubadour qui, au début du XIXe siècle, s’attache à raconter de manière sentimentale et théâtrale l’histoire des grands héros nationaux du Moyen-âge et de la Renaissance comme Jeanne d’Arc ou François Ier. Histoire du musée Un musée dans un château Où l’on trouve l’architecture et l’histoire, on attend des collections. Quand l’architecture a caractère d’exception, on attend les chefs-d’œuvre. S’il ne reste plus rien aujourd’hui des collections des rois de France au château de Blois, le musée des Beaux-Arts vous invite, dans les anciens appartements du roi Louis XII, à un parcours inattendu à travers les arts depuis la Renaissance jusqu’à la fin du XIXe siècle. Le musée des Beaux-Arts du château de Blois se déploie dans les six salles du premier étage de l’aile Louis XII depuis 1869. En effet dès l’époque de la Révolution, des voix s’élèvent à Blois comme un peu partout ailleurs en France pour demander la création d’un musée destiné notamment à la formation des artistes. En 1810, un décret impérial accorde aux villes la nu-propriété des édifices militaires et c’est en tant que caserne que le château de Blois devient 1850, Pierre-Stanislas Maigreau-Blau, maire de Blois, est à l’origine de la création du musée qui s’installe alors dans l’aile François Ier, écoutons-le défendre son projet " Il n’y a pas de chef-lieu de département en France qui ne soit aujourd’hui doté d’un musée. […] Il serait superflu d’examiner les avantages de ces sortes d’établissements ; On sait de quel encouragement puissant ils sont pour les arts et les sciences, par les modèles ou les collections qu’ils offrent à l’étude". Ainsi l’armée libère-t-elle peu à peu les espaces du château qui sont investis par les peintures, sculptures, et autres objets d’art prêtés dans un premier temps par les collectionneurs privés lors d’expositions temporaires, puis peu à peu légués à la ville et qui s’ajoutent aux envois de l’Etat et aux achats sur le marché de l’art pour constituer le patrimoine artistique des Blésois. La muséographie actuelle, qui remonte à la rénovation de 1995, a pour ambition de concilier le cadre du décor grandiose voulu par l’architecte Félix Duban et les exigences d’un musée moderne. L’idée directrice est de donner au visiteur le sentiment qu’il traverse les appartements anciens d’un prince contemporain et collectionneur, dont le goût raffiné et érudit transparaît par l’exposition d’œuvres rares, surprenantes et belles. Ainsi a-t-on privilégié les tentures de velours aux tons soutenus, les vitrines du XIXe siècle et l’accrochage serré. C’est ce parti prix qui fait toute l’originalité du musée des Beaux-Arts du château de Blois. La salle d'actualité Paul Renouard, peintre et illustrateur Cette salle accueille deux expositions par an, qui permettent au public de découvrir des œuvres habituellement en réserve. Cela permet aussi au public de mieux connaître le travail de l’équipe de conservation restaurations, acquisitions récentes et actualités scientifiques. Ainsi, il est possible d’exposer plus régulièrement les dessins et les gravures qui ne peuvent être exposés à la lumière que pendant de courtes durées. Ces expositions sont avant tout destinées au public local et offrent l’occasion de fréquenter périodiquement notre musée des Beaux-Arts. Exposition actuelle Paul Renouard Cheverny 1845 ; Paris 1924 peintre et illustrateur De condition modeste, c’est à l’âge de 14 ans que Paul Renouard quitte Cheverny pour trouver du travail à Paris. En 1868, alors qu’il est employé comme peintre en bâtiments, Isidore Pils remarque ses croquis et esquisses sur les murs de la cour de l’École des Beaux-Arts et le fait entrer dans son atelier. Il exécute avec lui les décorations intérieures de l’Opéra, puis réalise seul, en 1875, les fresques du plafond du grand escalier. C’est le début d’une brillante carrière. La multiplication des gazettes et publications imprimées à cette époque ouvre un vaste champ à l’illustration. De 1875 à 1880, Paul Renouard collabore à L’Art, à L’Illustration, à Paris illustré. En 1884, il entre comme dessinateur au Graphic de Londres. Son talent y fait merveille et il se détourne de la peinture pour une production graphique extrêmement personnelle. Il obtient la médaille d’or aux expositions universelles de 1889 et 1900, il exerce comme professeur à l’École des Arts Décoratifs et se lie d’amitié avec les peintres Weerts et Degas. Il voyage beaucoup, suit une expédition en Tunisie, puis réside à Washington où il étudie la vie parlementaire des États-Unis. Décédé en janvier 1924, Paul Renouard est enterré au petit cimetière de Chambon-sur-Cisse. En 1926, à l’initiative de l’École de la Loire dont il fut le président, un buste est réalisé par Albert Chartier, un de ses élèves aux Arts Décoratifs, et inauguré dans les jardins de l’évêché. Dès 1922, suite à l’acquisition par la ville de l’album Paul Renouard, son oeuvre sur la guerre 1914-1917, complété d’un don important de l’artiste, sont inaugurées au Musée régional de Blois, alors musée d’art contemporain situé dans l’ancien évêché, les salles entièrement dédiées à Paul Renouard. La collection est complétée par des achats importants entre 1927 et 1935, puis par le don May en 1971. Au total ce fonds comprend sept peintures et environ 550 dessins et gravures. L’œuvre de l’illustrateur Artiste intimement lié à son époque, l’oeuvre de Paul Renouard est un reflet vivace des choses vues et vécues. D’un trait sobre et rapide il fixe les gestes et expressions des personnages les plus divers, depuis les chefs d’État jusqu’aux dockers de la Tamise. Il saisit le mouvement et il traduit en gravures les grands événements européens procès Dreyfus, procès Zola, jubilé de la reine d’Angleterre, séances de la Chambre des Députés, expositions universelles, première guerre mondiale. Il est également virtuose dans ses études d’animaux. L’illustration à la fin du XIXe siècle Il ne faut pas oublier la part importante qui revient aux artistes de la fin du XIXe siècle dans le domaine de l’image destinée à la diffusion. La multiplication des gazettes et publications imprimées connaît une extension qui ouvre un vaste champ à l’illustration. La reproduction de la photographie par des procédés mécaniques n’est pas encore née et les artistes, tout comme aux siècles passés, gardent encore le privilège de réaliser des oeuvres reproduites en lithographie comme en gravure, sur cuivre ou sur bois. Les revues illustrées C’est par l’illustration de revues que Paul Renouard devient célèbre non seulement en France mais à l’étranger. Il est sollicité pour relater les scènes d’actualité en des séries de compositions dessinées au cours des cérémonies et des grandes fêtes officielles. Il exécute le portrait de grands personnages, tel le président Loubet ou Waldeck-Rousseau, ainsi que des croquis d’audience au procès Dreyfus ou autres grands procès du moment. Ses dessins paraissent dans L’Art, L’Illustration, le Paris illustré. Il devient le collaborateur attitré du Graphic en Angleterre ou il s’attache aux scènes de la vie courante. Les thèmes chers à Paul Renouard L’Opéra L’ambiance du théâtre de l’Opéra devient rapidement familière à Paul Renouard et est pour lui une grande source d’inspiration. L’étude de la danse notamment le passionne. Paul Renouard fréquente l’Opéra pendant 18 ans et accumule croquis et notes, à la classe de danse, au foyer, dans les coulisses. En 1868 l’adaptation d’Hamlet, puis en 1872 celle d’Aïda, sont pour lui une source d’étude et de délectation inépuisable. Il saisit sur le vif le public, les acteurs à l’Opéra de Paris et à Londres Théâtre Royal Drurylane et publie en 1880 un luxueux album de 30 eaux-fortes. Les expositions universelles Paul Renouard se plaît à rendre les effets de mouvements de foules aux grandes expositions internationales. En 1889 et 1900 il collabore à la Revue de l’Exposition universelle de Paris. Ce sont les nombreux dessins du trottoir roulant appelé “Rue de l’avenir”, de la construction du Grand-Palais, du Palais de l’électricité, les ouvriers sur la tour Eiffel, sans oublier le rhinocéros du Trocadéro réalisé par Henri Jacquemart pour l’Exposition universelle de 1878 et aujourd’hui sur le parvis du musée d’Orsay. Il illustre également l’Exposition universelle de Liège en 1905 à l’occasion du 75e anniversaire de l’indépendance de la Belgique. Les croquis d’animaux Paul Renouard est inimitable dans ses études d’animaux. Ses gravures originales consacrées aux volailles, chiens, chats, révèlent ses dons d’observateur caustique du geste et de l’expression. Ces gravures étaient probablement destinées à illustrer le livre intitulé Croquis d’animaux par Renouard. La guerre de 14-18 La Grande Guerre bouleverse Paul Renouard et lui inspire des dessins où le réalisme saisissant est lié à l’émotion. En 1917 il réalise un album Paul Renouard, son oeuvre sur la guerre, 1914-1917, comprenant dix eaux-fortes et vingt lithographies. Il dépeint notamment de saisissants portraits de groupes des “gueules cassées”, les invalides de guerre. ouvert jusqu’au samedi 26 octobre 2019 du mercredi 2 octobre jusqu’au dimanche 13 octobre 2019ouvert du mercredi au vendredi 10H12H à 14H18H et samedi-dimanche de 15H à 18H du mardi 15 octobre jusqu’au samedi 26 octobre ouvert du mardi au samedi de 14H à 18H BRÈVE HISTOIRE DE LA PEINTURE DE PAYSAGE EN OCCIDENT »A TRAVERS LES COLLECTIONS DU MUSÉE SALIES En Chine et au Japon, la peinture de paysage est pleinement inhérente aux fondements de leurs valeurs culturelles. Elle en est un enjeu spirituel majeur qui traduit une quête d’harmonie avec la Nature et les éléments fondamentaux qui la composent Terre, air, eau, feu, espace ».En Occident, il en va tout autrement. La peinture de paysage s’exprime plus tardivement. Elle suivra un long cheminement d’émancipation durant les siècles. Par quel parcours, cette peinture de genre, si longtemps inexplorée, s’affirme comme sujet autonome ? En quoi devient-elle un thème essentiel pour un grand nombre de peintres ? comme un genre majeur et avoir une reconnaissance universelle ? Un court rappel historique appuyé autant que possible sur quelques œuvres du musée Salies, nous permettra de jalonner cette lente évolution de la peinture de mieux comprendre le processus, utilisons la définition du paysage que nous propose le dictionnaire 1° partie d’un pays, étendue de terre que la nature présente à l’observateur,2° figuration picturale ou graphique d’une étendue de pays où la nature tient le premier rôle et où les figures d’hommes, d’animaux et les constructions fabriques sont accessoires. En s’appuyant sur ces données nous pouvons avancer que le monde Antique et le Moyen Âge ne questionnent pas réellement la représentation picturale du paysage. Il est esquissé et dépourvu de réelle terme de paysage n’apparaît qu’à la Renaissance. L’utilisation de la perspective, permet au paysage d’intervenir dans les compositions picturales. Il sert essentiellement comme élément de structure et de ponctuation aux élaborations spatiales. Pour que le paysage prenne sa signification, il faut attendre le XVè siècle, dans les Flandres. Il devient un enjeu pictural plus conséquent. Flamands et hollandais, vont se passionner à le découvrir, à le traduire et le faire entrer dans l’Histoire de l’ Hollandais étaient à juste titre fiers d’un pays qu’ils avaient en partie créé en repoussant la mer et qu’ils venaient de libérer de la domination espagnole. Le calvinisme dominant et le régime républicain n’étaient pas très favorables à l’épanouissement de la peinture religieuse et de la peinture d’histoire. La présence d’une bourgeoisie aisée, cultivée, désireuse d’orner ses demeures urbaines de tableaux, a favorisé l’essor du paysage hollandais au Siècle d’Or »Ces peintres nordiques sont attentifs aux ciels changeants. A la lumière d’une saison ou d’un moment de la journée, ils occupent souvent les deux tiers de leurs tableaux. Si l’horizon de leurs paysages est bas le Plat Pays, l’attention des peintres hollandais se porte aussi avec une minutie de cartographe sur les églises, moulins, chemins et champs cultivés. L’homme y est présent, mais c’est un personnage contemporain et non mythologique. De plus, ces peintres ont recours à un système de représentation de l’espace différent de la perspective linéaire adoptée par les Italiens. Par une subtile utilisation des teintes chaudes au premier plan, et de plus en plus froides dans le lointain, par l’estompage des contours au fur et à mesure que l’on se rapproche de l’horizon, ils créent l’illusion de la profondeur, c’est la perspective atmosphérique » qui était déjà présente chez Van la France du XVIIè siècle, le voyage en Italie fait partie de la formation des peintres. En 1666, la création de l’Académie de France à Rome facilitera les séjours des artistes français. Ces peintres ne peignent pas en plein air la campagne romaine. A partir de croquis, de souvenirs, l’artiste recompose en atelier un paysage amélioré, un paysage idéal », avec ses références bibliques ou mythologiques. Nicolas Poussin 1594 – 1665 en est un remarquable exemple. A la fin du XVIIè siècle et au début du XVIIIè se développe en Italie un genre particulier de paysage, la veduta » vue, en italien. Ils sont essentiellement urbains et d’une grande exactitude topographique. Ces vues, fidèles à la perception optique de la réalité, sont souvent réalisées à l’aide d’instruments, en particulier la camera oscura » chambre noire. Les vedutistes travaillaient pour de riches étrangers, surtout Anglais, qui effectuaient une sorte de voyage de fin d’études, le Grand Tour », qui les conduisait en Italie. Ces précurseurs des touristes riches et cultivés, désiraient emporter en souvenir des vues précises de Rome ou de Venise d’où la nécessité de l’exactitude topographique et du petit format. Au XVIIIè, le Siècle des Lumières » porte un profond intérêt pour la nature. La sensibilité au paysage naturaliste se manifeste avec engouement. Le développement des cabinets de curiosités » tout autant que l’Encyclopédie de Diderot et d’Alembert en témoignent. Les penseurs l’observent et l’interrogent. Jean-Jacques Rousseau l’y introduit dans la Nouvelle Héloïse et dans Les Rêveries du Promeneur solitaire. Les peintres tels que Fragonard et Watteau, dans leurs scènes galantes et libertines, l’honorent et la la deuxième moitié du XVIIIè siècle, où triomphe le néoclassicisme mais où s’annonce aussi le préromantisme, Hubert Robert connaît le succès en peignant des paysages avec des ruines antiques. Oh ! les belles, les sublimes ruines ! » s’exclame Diderot, philosophe et aussi grand amateur d’art. Au XIXè, avec le Romantisme, le paysage devient un sujet à part entière. Il est un thème majeur de ces peintres. Les peintres romantiques transfèrent dans le paysage tous leurs états d’âme. Mélancoliques, ils aiment les bords des lacs, et les soleils couchants passionnés. Exaltés, ils recherchent la nature sauvage, les sommets inviolés, la mer déchaînée, tous ces paysages considérés jusque-là comme répulsifs et inquiétants. Levez-vous, orages désirés » s’écrie Chateaubriand tandis que Madame Bovary n’aime la mer qu’à cause de ses tempêtes ». Dans ses poèmes, dans ses dessins, Victor Hugo traduit l’amour des romantiques pour ces paysages peintres romantiques aiment aussi le dépaysement, l’exotisme, l’ailleurs. Les prospections coloniales dynamisent ces quêtes d’aventures. Ce n’est plus l’orient antique mais l’orient contemporain qui passionne. Au milieu du XIXè siècle la peinture de plein air prend tout son essor. La révolution industrielle, l’urbanisation croissante donnent la nostalgie des vertes campagnes. Un pas décisif sera franchi avec le développement des chemins de fer et l’invention du tube de peinture. Les peintres peuvent aller sur le motif et travailler en plein air. Camille Corot en est un des précurseurs. Ses vues de la campagne romaine ensoleillée, ses paysages d’Ile de France baignés d’une douce lumière, font de lui, selon Delacroix, le père du paysage moderne ».Les peintres de Barbizon Théodore Rousseau, Jean-François Millet, Narcisse Virgile Diaz de la Peña, Charles-François Daubigny et tant d’autres fixent sur leurs toiles la forêt de Fontainebleau, les prairies, les troupeaux, les clairières avec le réalisme des Hollandais du Siècle d’ peintres réalistes représentent la nature telle qu’elle est. Gustave Courbet dit la peinture est un art essentiellement concret et ne peut consister que dans la représentation des choses réelles et existantes. Le beau donné par la nature est supérieur à toutes les conventions de l’artiste ». Au même moment Edouard Manet est refusé au Salon pour avoir introduit dans le paysage de son Déjeuner sur l’herbe » des femmes dénudées qui ne sont ni des déesses ni des nymphes antiques…Au dernier quart du XIXè siècle, le paysage va connaître son apogée avec l’Impressionnisme. La peinture traduit la lumière, le paysage en est son meilleur interprète. Le sujet est absorbé dans l’atmosphère et la vibration lumineuse de l’espace, des matières, des reflets, des ombres. La touche est apparente, tout est couleurs. La lumière est début du XXè siècle est une conquête de nouveaux territoires de la peinture. Les avant-gardes s’émancipent et inventent de nouvelles approches visuelles. Pour Cézanne 1839-1906 comme pour les impressionnistes aucune peinture réalisée en atelier n’atteindra jamais celles peintes à l’extérieur ». Outre l’approche instantanée des peintres impressionnistes, chez lui, le paysage n’est pas uniquement un chromatisme lumineux mais aussi une composition structurale. La couleur est utilisée comme matériau. Il traite, construit et synthétise la nature par le cône, le cylindre et la sphère ». Par cette démarche, il plante le décor, le chevalet, de ce que l’histoire de l’art définira comme la suite, les peintres Fauves Matisse, Derain, etc. ont recours à de larges aplats de couleurs pures et éclatantes. Les paysages éclaboussent librement de puissantes tonalités. C’est une peinture sans recul, instinctive. Les peintres Cubistes exploreront les leçons de Cézanne tout en définissant d’autres enjeux. Ils abolissent la perspective et décomposent l’espace pour le soumettre à différents angles d’approches visuelles. Dans l’héritage de Van Gogh et dans l’horreur de la première guerre mondiale, les peintres expressionnistes puiseront les couleurs de leurs palettes pour invoquer leurs tourments. Avec Kandinsky, fondateur de l’art abstrait, la peinture n’a plus besoin de sujet. Elle ne cherche plus à imiter la nature. Le paysage, la réalité visuelle n’est plus nécessaire à peindre pour traduire la dimension de l’espace intérieur du peintre. La peinture est livrée à elle-même. Elle se suffit en soi. Chromatismes, formes, taches, traces, rythmes, matières etc. sauront tout autant traduire les sentiments et les émotions des artistes. …Aucun de ces mouvements n’est représenté dans les collections du musée Salies. Au XXIè siècle, le rapport des artistes à la nature semble plus conséquent que jamais dans l’histoire de l’art. A la Renaissance, les humanistes mettent l’homme au centre du monde et de la création. De nos jours, l’anthropocène l’ère de l’Homme est un terme spécifique qu’utilisent les scientifiques pour étudier l’impact global de l’homme sur le monde et son écosystème. De très nombreux artistes œuvrent aussi en référence à ces problématiques. L’art contemporain est marqué par de nouveaux comportements et un large brassage artistique sur ces questionnements. Avec les problèmes écologiques, les pollutions, le réchauffement climatique, l’explosion démographique et la révolution numérique, tout s’accélère et devient mondialement exponentiel. Que ce soit avec des outils traditionnels, des installations, du land-art, du street-art, la photographie, la vidéo ou les arts numériques, la nature, l’environnement, l’espace urbain, le cadre de vie, le paysage sont au cœur des préoccupations artistiques. La compréhension et la sauvegarde de la nature est dorénavant une indissociable image de l’Homme. Sous l’angle artistique, le paysage est son plus fidèle portrait.

musée des beaux arts tours son et lumière